La lettura del classico di Collodi, sovente metafora degli intricati rapporti fra verità e convenienza, ha ispirato Gala a partire dalla scena Disney in cui il burattino si esibisce performando ‘I’ve Got No Strings’.
Pinocchio, inciampando, scatena l’ilarità del pubblico e il guadagno di Mangiafuoco. Le corde non sono ciò che lo imprigionano.

Nella mostra, la polvere di corpi falliti è impiegata per creare nuovi corpi. Una serie di burattini fatti di segatura si animano al tocco degli osservatori, che diventano così motori per protagonisti falsi. L’atto performativo confonde i ruoli fra burattini e burattinai, sottolineando con suoni acuti i rapporti di potere racchiusi nello spettacolo.

Nell’azione di Gala, l’abduzione e l’adduzione delle mani è simile a quella che anima i burattini tiracorda, attiva dispositivi sonori che generano suoni acuti. Il legame fra il suono e il movimento dei burattini è racchiuso nel concetto di falsetto. In questa forma di canto, che etimologicamente deriva da “falso”, le tonalità più basse diventano altissime e le voci ricordano quelle dei bambini “veri”.

Falsetto
Enej Gala
a cura di Stefano Giuri
16 Aprile – 23 Giugno 2024 prorogata fino al 31 Agosto

Fotografie di Leonardo Morfini

Collodi’s classic, often a metaphor for the intricate relationships between truth and convenience, inspired Gala to address the Disney scene in which the puppet performs “I’ve Got No Strings”. Pinocchio, stumbling, unleashes the audience’s laughter and Mangiafuoco gains profit. The strings are not what imprison him.

In the exhibition, the dust of failed bodies is used to create new ones. A series of puppets made of sawdust come to life at the touch of the observers, who thus become engines for these ‘’false’’ protagonists. The performative act blurs the roles between puppets and puppeteers, underlining with sharp sounds the power dynamics encapsulated in the show.

In Gala’s action, abduction and adduction of the hands, similar to that which animates these pull-the-string-puppets, activates sound devices that generate sharp sounds. The connection between sound and the movement of marionettes is encapsulated in the concept of falsetto. This form of singing, etymologically derives from “false”, as the lowest tones become very high, resembling those of “real’’ children.

Falsetto
Enej Gala
a curated by di Stefano Giuri
April 16 – June 23, 2024 extended until 31 August

Photographs by Leonardo Morfini

Il lavoro di Giuseppe Abate, presentato e pensato per gli spazi di Toast, ripercorre gli ultimi anni della sua ricerca sui materiali organici derivati dalla lavorazione degli scarti dell’industria del pollo. Attraverso espedienti chimici ed artigianali, quello che resta dell’animale dopo il consumo alimentare viene trasformato in materia utile a riformulare tecniche pittoriche, scultoree e di conciatura e lavorazione della pelle. Non è però solo l’utilizzo pratico ad interessare Abate, bensì il pollo diventa all’interno della sua ricerca un innesto per attivare riflessioni legate alla società, al consumo e alla pubblicità.

In occasione della mostra TFC sarà esposta l’opera To get to the other side. Questo elemento è anche al centro della rivista realizzata appositamente per l’esposizione e vista come una estensione di essa nello spazio e nel tempo. La rivista, che contiene diverse immagini appartenenti all’archivio visivo di Abate, è frutto di un lavoro corale e si serve delle vesti grafiche della coolness tipiche della pubblicità di moda, per sovvertirle internamente, attraverso una operazione mimetica che ne lascia però intravedere le fratture.

TFC / Toast Fried Chicken
Giuseppe Abate
a cura di Elena Bray
17 novembre al 2 dicembre 2023

Fotografie di Leonardo Morfini

Giuseppe Abate’s artwork, crafted and tailored for the Toast spaces, traces the recent years of his exploration into organic materials derived from the processing of chicken industry waste. Through both chemical and artisanal methods, the remnants of the animal post-consumption are transformed into materials suitable for reimagining painting, sculpture, and leather tanning and processing techniques. However, Abate’s interest extends beyond practical utility; within his research, the chicken serves as a graft to instigate reflections on society, consumption, and advertising.

For the TFC exhibition, the piece “To get to the other side” will be showcased. This element takes center stage in the magazine specially curated for the exhibition, viewed as an extension of the exhibit in both space and time. The magazine, a collaborative effort featuring various images from Abate’s visual archive, employs the graphic aesthetics reminiscent of fashion advertising’s coolness, only to internally subvert them through a mimetic operation that, nonetheless, reveals its fractures.

TFC / Toast Fried Chicken
Giuseppe Abate
curated by Elena Bray
November 17th to December 2nd, 2023

Photographs by Leonardo Morfini

La prima mostra in Italia dell’artista ha per protagoniste tre scene di dialogo teatrale, che hanno preso forma nella modellazione 3D, in scultura e scrittura, trasformando la personale in un processo di messa in scena.

Le produzioni di Wieland Schönfelder sono inscritte in un complesso che include animazione digitale, scultura, drammaturgia e installazione. Il lavoro di Schönfelder manifesta un costante confronto dei confini tra teatro e arti visive, di cui esplora liberamente e anacronisticamente l’estetica e la storia sociale. Le sue creazioni, rese in gruppi scultorei, in immagini e in video, appaiono come strani mondi palesemente inscenati, all’interno dei quali sono spesso celati motivi biografici e riflessioni critiche. La scelta stessa del dialogo, legato alla struttura originale del teatro e divenuto genere con la letteratura filosofica e scientifica, sembra approfittare di questo suo potenziale. 

Dialog
Wieland Schönfelder
A cura di condylura
08 giugno 2023 – 01 settembre 2023

Fotografie di Leonardo Morfini

The first Italian show by the artist exhibits three scenes of theatrical dialogue, which have taken shape in 3-D modeling, sculpture, and writing, turning the exhibition into a staging process.

Wieland Schönfelder’s productions are inscribed in a complex that includes digital animation, sculpture, dramaturgy, and installation. Schoenfelder’s work manifests a constant confrontation of the boundaries between theatre and visual arts, whose aesthetics and social history he freely and anachronistically explores. His creations, rendered in sculptural groups, images, and video, appear as weird, overtly staged worlds, within which are often concealed biographical motifs and critical reflections. The very choice of dialogue, linked to the original structure of theatre and becoming a genre with philosophical and scientific literature, appears to take advantage of such potential. 

Dialog
Wieland Schönfelder
Curated by condylura
June 08, 2023 – September 01, 2023

Photo by Leonardo Morfini

Toast si trasferisce in un nuovo gabbiotto a pochi metri di distanza. L’artista interviene durante la transizione riflettendo su particolari luoghi da cui accedere a informazioni segrete. Un palo della luce segato a metà collega i gabbiotti proponendo una particolare modalità di affissione. Un asterisco d’inchiostro funziona come chiave e parola d’ordine.
A.A.A. Un lampione. Una voce affissa. Grida, avvisi, aiuto, vendesi, fumo.

Info
Filippo Tappi
12 Aprile – 04 Maggio 2023

Fotografie di Leonardo Morfini
si ringrazia Corrado Pettinelli

Toast moves to a new guardhouse just a few meters away. The artist intervenes during the transition by reflecting on specific places to access secret information. A lamppost sawed in half connects the booths, proposing a particular display mode. An ink asterisk serves as the key and password.
AAA A street lamp. A fixed voice. Shouting, warnings, help, for sale, smoke.

Info
Filippo Tappi
April 12 – May 04, 2023

Photo by Leonardo Morfini
thanks to Corrado Pettinelli

L’artista interviene sul gabbiotto rimuovendo tetto e finestre. Le sculture, elaborazioni di scheletrati odontoiatrici, si saldano a ciò che resta dell’architettura. Durante la serata inaugurale due persone indossano sculture-grillz, aggirandosi dentro e attorno a Manifattura. L’operazione è documentata in un libro di Aosta.
Prede apre la bocca e guarda la fragilità dei sorrisi. La scarnificata architettura di Toast consente a ciò che è vulnerabile di unirsi e fiorire. Due persone mordono le antiche protesi impazzite e affrontano la bestialità dell’essere umano perseguendo una realtà desiderabile. Una società nuova potrebbe nascere da un atto ancestrale.

The Toothless’ Club, 2022. Scheletrati odontoiatrici in lega stellite di cromo, cobalto e molibdeno saldati a laser, dimensioni variabili.
Zanne fragili, 2022. Denti provvisori policarbonati galvanizzati in argento, 5x12x20 cm ciascuno.

Prede
A cura di Stefano Giuri e Gabriele Tosi
22 settembre – 7 novembre 2022

Performer: Rebecca Mari, Damiao Solfanelli
si ringrazia Paolo Cuppone

The artist removes the roof and windows of the guardhouse, allowing the sculptures crafted from dental structures to blend in with the remaining architecture seamlessly. During the opening evening at Manifattura, two people wore sculpture-grillz as they navigated their way in and around the facility. The operation is documented in a book from Aosta.
Prede opens the mouth, staring at the fragility of smiles. The guardhouse’s skeletal structure provides a space for the vulnerable to gather and flourish. Two people take a bite out of ancient and untamed prosthetics, confronting the wild nature of humanity in the pursuit of a desirable reality. A new society may just be born from this primal act.

The Toothless’ Club, 2022. Dental skeletons in stellite alloy of chromium, cobalt, and molybdenum welded with laser, variable dimensions.
Zanne Fragili, 2022. Silver galvanized polycarbonate temporary teeth, 5x12x20 cm each.

Prede
Curated by Stefano Giuri and Gabriele Tosi
September 22 – November 7, 2022

Performed by Rebecca Mari and Damiao Solfanelli
special thanks to Paolo Cuppone

Ali, lucette e candele sono alcuni fra gli elementi con cui l’artista, nel gabbiotto colorato di un romantico rosso inferno, mette in scena espressioni e comportamenti che tentano una disintossicazione dalla moralità e dalla ragione. I residui liquaminosi e piumati della performance restano nello spazio in forma di mostra.
Una performance free shot, agita dall’artista, fa emergere rapporti precari tra il corpo e alcune periferiche tecnologiche. Tra clone ed estensione, un’improbabile replica organica si attiva nello spazio con licenza e vanità. Una costante dispersione d’energia è destinata ad animare un organismo privo di un sistema nervoso centrale, frammentato e improduttivo.

Piagnone
Edoardo Ciaralli
5 maggio – 19 giugno 2022

con il supporto di Mazzanti Piume

In the passionate red inferno of the guardhouse, the artist employs elements such as wings, small lights, and candles to create a spectacle that seeks to purify itself from the constraints of morality and logic. The remnants of the liquid and feathered performance linger in the space, serving as a testament in the forthcoming exhibition.
A free-shot performance by the artist brings to light the precarious relationships between the body and technological peripherals. Between cloning and extension, an improbable organic replica activates in space with license and vanity. A constant dispersion of energy is destined to animate an organism devoid of a central nervous system, fragmented and unproductive.

Piagnone
Edoardo Ciaralli
May 05, 2023 – June 19, 2022

supported by Mazzanti Piume

Il gabbiotto ospita due capsule di vetro acrilico contenenti una soluzione di acqua demineralizzata, argilla e polveri di varia natura ottenute dalla macinazione di una serie di opere prodotte dall’artista dal 2012 al 2018.
Nella serie Testimoni, particelle provenienti da sculture realizzate in diversi momenti del passato si trovano a collidere nello stesso ambiente a densità controllata. Tali opere, come spesso accade, giacevano racchiuse nelle loro casse, dentro magazzini sparsi per il mondo e nell’attesa di venire riattivate in un contesto narrativo, espositivo o collezionistico. Loro stesse sono sottratte allo status di opera nel momento in cui vengono macinate in particelle di diversa granulometria. Mescolate, ricongiungono spazi, tempi e materie di diversa estrazione per essere unite in fiale visibili, dallo statuto visivo incerto, palesando così la mutevole realtà che le circonda. Testimonianza e ontologia qua si trovano a coincidere in una crasi perpetua.
Testimone, 2020; PMMA, acqua demineralizzata, polvere ottenuta da lavori macinati dal 2012 al 2018. 101 x 17 x 8 cm

Testimone Perpetua
Nicola Martini
11 Febbraio  –  27 Marzo 2022

Fotografie di Jacopo Menzani

The guardhouse hosts two capsules of acrylic glass containing a solution of demineralized water, clay, and various powders obtained from grinding a series of works produced by the artist from 2012 to 2018.
In the “Testimoni” series, particles from sculptures created at different moments in the past collide in the same environment at controlled density. As often happens, these works were enclosed in their cases, stored in warehouses scattered around the world, waiting to be reactivated in a narrative, exhibition, or collector’s context. They lose their status as individual artworks when ground into particles of varying granularity. Mixed, they reconnect spaces, times, and materials of different origins to be united in visible vials with an uncertain visual status, thus revealing the ever-changing reality surrounding them. Testimony and ontology converge in perpetual fusion.
Testimone, 2020; PMMA, demineralized water, powder obtained from grinded works from 2012 to 2018. 101 x 17 x 8 cm

Testimone Perpetua
Nicola Martini
February 11 – March 27, 2022

Photo by Jacopo Menzani

“Te lo dico. Ti sei proprio perso una roba”. Benino si era appena svegliato. C’era grande trambusto nel villaggio.
Non che la cosa lo disturbasse, avrebbe dormito volentieri ancora una mezza giornata, ma il garzone del pastore, quello antipatico che se ne va sempre in giro con una pecora sulle spalle, continuava a bighellonargli intorno.
“Ti dico. Una roba proprio. In tre erano. Dovevi vederli”.
Che poi, cosa se ne faceva di quella povera pecora sempre in spalla? Aveva freddo? La usava tipo una sciarpa?
E adesso era lì davanti che gli borbottava di robe perse.
“Guarda, ti dico, proprio una roba”.
“E oh basta! E ti dico, ti dico, e non dici un bel niente. E dimmi”.
Il pastore si abbassò, fece per parlare ma vide la signora che dava da mangiare alle oche. La chiamò: “Ehi! Diglielo tu. Digli della roba”.
Benino stava iniziando a irritarsi. Maledetto rompiscatole. Dimmi piuttosto che ci fai tu tutto il giorno con quella cavolo di pecora.
Stava quasi per chiederglielo, giusto per fare l’antipatico, quando la signora delle oche avvicinandosi disse: “Hai presente quelli? Il falegname”.
Benino li guardò entrambi senza capire, poi scosse le spalle e disse “Eh”.
“Il falegname che ha avuto il bambino. Che poi sai cosa si dice in giro, che quel bambino non è che”. Benino fece un segno con la mano, aveva capito, lasciamo correre.
“Ecco. Questi neanche una lira c’hanno. Neanche il pane tra poco mangiano. Neanche i soldi per le lacrime tengono”.
“Parla la regina”.
“Eh, ora senti. A questi gli nasce la creatura, e chi li va a trovare?”
Benino cercò la risposta nel sorriso beffardo del pastorello, nello sguardo perso nel vuoto della sua pecora, negli occhi divertiti degli abitanti del villaggio che nel frattempo si erano avvicinati.
“E chi?”
“Tre monarchi”
“Tre cosa?”
“Tre monarchi. Sta a dire tre sovrani. E tutti vestiti proprio belli. Un luccichio unico. Una roba. Poi questi cappelli d’oro e le scarpe a punta di diamanti. Avresti dovuto vedere. Ma tu dormivi. Continua pure eh, che ti fa bene!”
“Tre monarchi?” Benino era tanto stupito quanto deluso. Gli avrebbe fatto molto piacere vederli. In vita sua non aveva mai visto un monarca, figurarsi tre in un colpo solo.
“Hanno attraversato tutto il deserto solo per venire qui a inchinarsi al figlio del falegname. Proprio inchinati eh, con le ginocchia e la genuflessione.
E gli hanno portato dei regali. Mai vista una cosa simile. Anzi, io l’ho vista. Tu no”.
“Ma ora dove sono?”, chiese Benino con una punta di speranza. Voleva vedere i luccichii e i vestiti d’oro.

“Ripartiti. Te li sei persi. Sempre a dormire eh”.
“Ma non potevate chiamarmi?”
“Eh si col piffero che ti chiamiamo. E poi chi se la godeva sta faccia che hai adesso?”. E tutti a ridere.
Benino li apostrofò con frasi che per decenza non riportiamo. Ipotizzò cosa il pastorello facesse tutto il giorno nascosto con la pecora e suggerì alla signora un luogo buio e sicuro dove riporre tutte le sue oche. Già che c’era, rivelò al maniscalco che tutti i membri della sua adorata famiglia svolgevano il medesimo antico mestiere, e con quali sostanze organiche l’oste fosse solito allungare le sue pregiate bevande.
La gente del villaggio si allontanò ridendo leggermente meno.
Rimasto finalmente solo, Benino architettò un micidiale piano di vendetta. Tornò a dormire.
“Ora vi aggiusto io. Adesso mi metto qui e faccio un bel sogno, ma ci metto dentro solo quelli che dico io.
Così imparano a non farmi vedere le cose belle. Adesso saranno le cose belle a non vedere voi. Eh sì miei cari.
Alla moglie del falegname le faccio anche un vestito blu, di quelli costosi che non si può permettere, alla facciazza vostra.
Sarà il mio regalo di augurio.
Altro che i monarchi. Gli regalo anche due belle bestie, che servono sempre, gli faccio un bue e un asino, belli e calmi, così lavorano quel pezzo di terra spelacchiata che hanno e possono portare le verdure al mercato e comprarsi due vestiti per il bambino. Io mi faccio un lusso, dei bei pantaloni rossi, di porpora, e una bella camicia bianca, pulita, immacolata”.
Benino iniziò a sognarsi tutti i particolari della scena di attesa dei tre re così come avrebbe voluto vederla.
Ma a un certo punto, nello sforzo di costruirsi il sogno, un piccolo particolare fuggì al suo controllo: a tutti i personaggi iniziarono a spuntare dei fischietti dal corpo.
E iniziarono a suonare, tutti insieme, per cercare di svegliarlo.
“Se mi sveglio, tutto questo finirà, e tutta questa bella realtà che ho fatto smetterà di esistere”, Benino pensava guardandosi sdraiato nel sogno, e notando che un fischietto stava spuntando pure dal suo fianco.
“Sicuramente li suonano il pastorello, la megera delle oche e gli altri, cercano di infilarsi nel sogno per distrarmi, per rovinarlo e per burlarmi.
Ma non ci riusciranno mai, dovessi dormire così per sempre”.
E infatti il nostro Benino ormai dormiva come pasta nel forno, come argilla nella fornace, come chi trova la casa calda di ritorno da un lungo viaggio nel freddo del deserto. 

testo di Treti Galaxie

Lavoretto è un ritratto della condizione contemporanea dell’artista “mid-career”. In questa performance installativa, Giuseppe De Mattia, trasformerà il gabbiotto di Toast in un call center, approfittando della conformazione e della storia lavorativa dello spazio, in cui due performer/telefonisti, seguendo copione e regole imposte dall’artista, cercano di “sottoporre” il risultato della performance in atto a musei e istituzioni, in Italia e all’estero.
I due operatori porteranno a termine un’intera e singola giornata di lavoro riconosciuta con una retribuzione base di un lavoratore dello spettacolo. Una pausa pranzo, una partita di calcetto nei campi del Dopo Lavoro Ferroviario, di fronte a Manifattura Tabacchi, e una cena in pizzeria prima del rientro a casa, saranno la conclusione della giornata e della performance privata. La piattezza routinaria della giornata annulla semanticamente l’importanza del turno di lavoro per l’artista e ne minimizza il senso e il fine ultimo: trovare una posizione nel mondo dell’arte.
Al pubblico, per un mese, rimane una vivisezione dell’esperienza performativa che si fa installativa con arredi per l’unità lavorativa disegnati dall’artista, un audio e due fotografie. Seguirà la pubblicazione di un libro che ne svelerà tutti i retroscena e i risultati.

Lavoretto
Giuseppe De Mattia
17 Dicembre Gennaio 30, 2022

Fotografie di Leonardo Morfini
si ringrazia Alessandro Bartoletti

The project transforms the guardhouse into a call center. Two operators follow a script set by the artist, attempting to present the outcome of the performance and the artist’s work to museums and institutions. The recordings of what happened are played in the exhibition.
The performance portrays the current condition of a mid-career artist. Throughout the day, two people carry out their work and receive a standard compensation for a performing artist. They take a lunch break and even play a soccer match at the recreational club for railway workers near the Manifattura Tabacchi. The day and the private performance conclude with a pizza.

Lavoretto
Giuseppe De Mattia
December 17, 2021 – January 30, 2022

Photographs by Leonardo Morfini
special thanks to Alessandro Bartoletti

L’opera trasforma lo spazio in un’immagine immutabile e artefatta, cancellando con cura quotidiana ogni segno di cambiamento. Il modello di bellezza sospesa, eterea e pulita così ricercato contrasta con la cattività e la distruzione, qualità che meglio descrivono quanto avviene davvero nelle quinte di Toast. Il titolo dolciario è il nomignolo delle particolari ‘performer’ che agiscono lo spazio dando vita a una danza fatta di salti e scie colorate. Tra spettacolo e presagio.

Candies
Matteo Coluccia
a cura di Stefano Giuri e Gabriele Tosi
25 Giugno – 22 Luglio 2021

Fotografie di Leonardo Morfini

The work transforms the space into an immutable, contrived image wherein any signs of change are to be meticulously eliminated on a daily basis. The model of suspended, ethereal, clean beauty that is typically sought after contrasts sharply with meanness and destruction, the qualities that more accurately describe what really happens backstage at Toast. The title refers to the nicknames of certain performers who dance within the space, trailing colour behind them as they move and jump, creating a sort of visible omen.

Candies, Matteo Coluccia
curated by Stefano Giuri and Gabriele Tosi
June 25, 2021 – July 22, 2021

Photographs by Leonardo Morfini

A conclusione di una residenza breve, Visentin presenta in maniera particolare disegni su larga scala, dipinti ad acquerello e pastelli a cera sviluppati lungo due rotoli da 12 metri ciascuno. Accompagna la mostra un’edizione di Aosta.
Cieli Neri è la sintesi pittorica degli interessi di Alice nei confronti della varietà del cosmo, dagli avvenimenti quotidiani alla trasmissione orale di racconti, canti e storie. L’immaginario pittorico dell’artista si sviluppa a partire dalla cultura vernacolare delle comunità rurali e per quest’opera si mescola con riferimenti vissuti durante il suo soggiorno fiorentino.

Cieli Neri
Alice Visentin
24 Marzo – 19 Maggio 2021

Fotografie di Leonardo Morfini
si ringraziano Jacopo Menzani e Sasha Ribera

After completing a short residency, Visentin showcases a peculiar display of extensive sketches, colored in watercolors and wax pastels, created on two huge 12-meter paper rolls. The exhibition also comes with an edition from Aosta.
Cieli Neri is the pictorial representation of Alice’s many interests which span from the variety of the cosmos to daily events to the tradition of oral storytelling and song. The artist’s imagery is developed from the vernacular culture of rural communities which, in these works, is fused with visual references that she encountered during her stay in Florence.

Cieli Neri
Alice Visentin
March 24 – May 19, 2021

Photographs by Leonardo Morfini
special thanks to Jacopo Menzani and Sasha Ribera

Un grande solido peloso occupa quasi per intero la guardiola suggerendo forzature e carezze. Il progetto racconta di una relazione irrisolta fra presenza scultorea e contesto collettivo. Muovendosi tra lo spazio sperimentale di Toast e quello pubblico di Manifattura, la scultura compie violente  azioni di adattamento raccolte in una pubblicazione edita da Aosta.
Chunk è un volume industriale di gommapiuma  rivestito di un tessuto sintetico che imita il pelo animale. La scultura può essere allestita senza restrizioni architettoniche, dimostrandosi come un solido elementare,  oppure può essere compressa in uno spazio,  anche quando questo non è pienamente capace di contenerla.

Chunk
Marcello Space
A cura di Gabriele Tosi
24 Giugno – 3 Settembre 2020

The guardroom is filled with a massive and hairy entity. This sculpture is a statement of the complex relationship between artistic presence and the surrounding circumstances. As it moves from Toast’s experimental space to the public domain, the sculpture engages in forceful acts of adaptation, documented in a publication.
Chunk is an industrial volume of foam, coated with a synthetic fabric which imitates animal fur. The sculpture can be installed without architectural restrictions, displayed as a solid element, but it can also be compressed into a space, even one that is not fully able to contain it.

Chunk
Marcello Space
Curated by Gabriele Tosi
June 24 – September 3, 2020

Una vasca galvanica contiene due riproduzioni in zinco di una figura mantellata catalogata fra gli ex-voto di Clemont-Ferrand come viandante. Il metallo per le sculture è ottenuto dalla fusione di circa ventiduemila monete lanciate alla Fontana di Trevi. Le sculture si fronteggiano e, agganciate a due barre di ottone, agiscono un perpetuo passaggio di materia. Il bagno galvanico, infatti, fa sì che una scultura rilasci materia donandola all’altra. La polarità s’inverte ogni tre giorni restituendo la materia al donatore e dando luogo a un processo di mutuo scambio potenzialmente infinito.

Habitat
Namsal Siedlecki
16 Settembre – 16 Novembre 2020

Fotografie di Leonardo Morfini

In the exhibition, a galvanic tank contains two zinc reproductions of a cloaked figure. The original is cataloged among the ex-votos of Clemont-Ferrand as a wanderer. The metal for the sculptures is obtained from the fusion of about twenty-two thousand coins thrown into the Trevi Fountain. The statues face each other and, attached to two brass bars, engage in a perpetual passage of matter. The galvanic bath causes one sculpture to release matter, donating it to the other. The polarity reverses every three days, returning the matter to the donor and giving rise to a potentially infinite process of mutual exchange.

Habitat
Namsal Siedlecki
September 16 – November 16, 2020

Photographs by Leonardo Morfini

Una raccolta di cavalli – disegnati, scritti e danzati – s’incontra al gabbiotto dando vita a un corteo animato dagli animali e dai loro autori. Il progetto utilizza l’immagine surreale e caotica della parata per riflettere sul legame fra comunicazione, potere e controllo. La vecchia guardiola torna a ricevere cavalli per posta, mentre la mediazione e il racconto è curata da un adetto alla sicurezza. Il progetto è reso possibile dal coinvolgimento attivo di una comunità. Hanno spedito a Firenze un cavallo: L’interesse del collettivo è rivolto a quei casi in cui l’ordine della moltitudine è rotto, dove il passaggio da magnifico a sgangherato si manifesta dando vita a significati fuori controllo, rendendo ogni parata un episodio a sé. I cavalli, matrici di chimere, feticci di arte e letteratura, sono l’oggetto di questa parata.

A gathering of horses – depicted through drawings, written works, and dances – converge at the booth, bringing to life a procession of animals and their creators. The project employs the surreal and chaotic image of a parade to delve into the complex interplay between communication, power, and control. The formal guardhouse has resumed receiving horses via mail while a security officer manages the mediation and narration. The community’s active involvement made the parade. They sent an horse in Florence: The interest of this collective is piqued by cases where the order of multitude becomes broken, where the journey from magnificence to ramshackle manifests, giving life to meanings that are out of control, rendering every parade an episode in itself. Horses, chimeric matrices, fetishes of art and literature, are the object of this parade.

Photographs by Leonardo Morfini

Lo spazio oscurato evoca una dimensione notturna e accoglie il video a due canali di un inseguimento. Il vecchio gabbiotto del guardiano innesca in Gjeloshi una riflessione sulla vigilanza, sviluppata attraverso il modellino giocattolo di una macchina da corsa in forza alla Polizia e quindi portatrice di uno status unico, tra oggetto super-esclusivo e bene comune. La macchina, sempre all’attacco, corre e si schianta nel seminterrato di un’accademia albanese.
La supersportiva della Lamborghini, donata alla Polizia di Stato italiana, è appunto soprannominata Huracán; un toro da corrida dotato di una forte inclinazione all’attacco.La Huracán è la seconda macchina da corsa che la Lamborghini dona alle forze dell’ordine, dopo la Gallardo – riconsegnata e poi esposta in via permanente presso il Museo dell’Auto della Polizia di Stato di Roma. Secondo il sito della Lamborghini, la Huracán Polizia svolge servizi di massima urgenza come soccorsi, assistenza sanitaria e trasporto di organi. La vettura, oltre l’equipaggiamento ad alta tecnologia, è provvista anche della tradizionale dotazione di servizio utile per il fermo dei veicoli in sicurezza. Come avviene per molte automobili, anche la Huracán Polizia è stata riprodotta in versione giocattolo telecomandato, in scala 1:14 e con una velocità non superiore ai 9 km/h. L’intervento realizzato dall’artista a TOAST, ex casotto della guardia notturna della Manifattura Tabacchi di Firenze, inizia con l’acquisto di questo modello.

Huracàn
Lek M. Gjeloshi
22 Novembre 2019 – 12 Gennaio 2020

Fotografie di Leonardo Morfini
si ringraziano Akademia e Filmit dhe Multimedias Marubi, Eol Cashku e Kole Laca

The dimly lit space transports the observer to a nocturnal dimension and presents a two-channel video of a chase. Gjeloshi is stirred to reflect on surveillance from the old guardian’s booth. The poetic is brought by a toy model of a Police supercar, which holds a unique status as a super-exclusive object and a common good. The car, constantly in attack mode, races and crashes into the basement of an Albanian art academy.
The Huracán is the second sports car that Lamborghini has donated to the police force, after the Gallardo, which is now on permanent exhibition at the Museo dell’Auto della Polizia di Stato (the State Police Automobile Museum) in Rome. According to Lamborghini’s website, the police force’s Huracán is used in the most urgent situations, such as providing first aid or transporting organs. In addition to its high-tech equipment, the car also features additional services useful for safely stopping vehicles. As with many other vehicles, there is also a radio-controlled toy version of the Huracán Polizia, reproduced at a scale of 1:14 with a top speed of 9 km/h.The installation by the artist at TOAST, the old night watchmen’s hut at Manifattura Tabacchi, began with the purchase of this model.

Huracàn
Lek M. Gjeloshi
November 22, 2019 – January 12, 2020

Photographs by Leonardo Morfini
special thank to Akademia e Filmit dhe Multimedias Marubi, Eol Cashku and Kole Laca

Enneboi trasforma TOAST nel negozio di Facciatosta Records, etichetta discografica fasulla specializzata in 45 giri di brani musicali tratti da film erotici di serie B. L’artista è intervenuto pittoricamente sulle copertine dei dischi, creando un connubio fra pittura e melodie soft porno.
Lo spazio subisce una metamorfosi, trasformandosi in un luogo in cui lo scratchare dei dischi diventa mezzo di comunicazione e di interazione tra spettatori e artista attraverso la pittura, creando un ambiente mistificato da un alone erotico d’altri tempi.
Facciatosta Records, olio e vernice spray su cover LP
Facciatosta Records, vernice spray su legno

Facciatosta Records
Enneboi
18 Settembre – 2 Novembre 2019

Fotografie di Leonardo Morfini

Enneboi converts the space into Facciatosta Records, a fictitious record label specialized in 45 RPM singles featuring musical tracks from B-movie erotic films. The artist combines painting with soft porn melodies through pictorial interventions on the record covers.
The space undergoes a metamorphosis, transforming into a place where vinyl scratching becomes a means of communication and interaction between spectators and the artist through painting, creating an atmosphere mystified by a vintage erotic aura.
Facciatosta Records, oil and spray paint on LP cover
Facciatosta Records, spray paint on wood

Facciatosta Records
Enneboi
September 18 – November 2, 2019

Photographs by Leonardo Morfini

Lo spazio e il tempo scricchiolano. C’è una soglia da oltrepassare. Dei guardiani la custodiscono. All’interno un orizzonte di informità cementizie ci circonda. Un’immagine demoniaca domina lo spazio. Il demone ci chiama. Siamo all’interno di uno luogo in bilico tra il mondo come lo conosciamo e l’ignoto. E’ proprio qui che i demoni vivono: all’interno di questo limite traballante.

Now Now
Marco Ceroni
18 Aprile – 23 Giugno 2019

Fotografie di Leonardo Morfini

Marco Ceroni (1987). Two guardians accompany us into the space, guarding the entrance, there is a threshold to be crossed, space and time crack. A demonic image dominates the space. The demon calls us. We are inside a space which is balancing between the world as we know it and the unknown. This is where the demons live: on this unstable border.

Now Now
Marco Ceroni
April 18 – June 23, 2019

Photographs by Leonardo Morfini

Nel contesto dell’abbandono industriale, l’installazione inaugurale evoca la figura del portinaio assente. Una proiezione crea lampi di luce che animano il gabbiotto frangendosi sui vetri trattati per simulare una condensa. Un secchio senza fondo, visibile attraverso l’unica finestra lasciata aperta, abita lo spazio.
Rebecca Moccia, Cuore, 2019. Pellicola per vetro, proiezione, secchio, inverno.

Cuore
Rebecca Moccia
24 Gennaio – 24 marzo 2019

Fotografie di Niccolò Vonci
Produzione Audio di Andrea di Curzio
Performato da Elena Masullo, Daniela Clementina De Lauri, Tatiana Stropkaiovà
si ringrazia Alessandro Bartoletti